Quizá por casualidad, sin que nadie lo haya proyectado ni apercibido, los Jardines del Galileo se convierten en verano en un corral de comedias como lo era el del Príncipe, o el de la Cruz, allá por el diecisiete. No es sólo porque se represente en él a Calderón, ni porque la apuesta de Manuel Canseco vele más por la recepción que por la innovación. También es un escenario abierto y descubierto, como lo eran los corrales, en el que se plantea un espectáculo más largo que en el teatro normal, alzado y bajado de telón y sanseacabó. El espectáculo comienza en torno a las nueve de la noche, con villancicos y mojigangas, como en el Siglo de Oro, que prolongan la estancia y amenizan la cena.

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El Festival Clásicos en Alcalá comienza hoy en la antigua Complutum. Si hace algunos años el mundo del teatro lamentaba la escasa atención que recibían los clásicos, no sólo por parte de las instituciones, también por parte de un público absolutamente desinteresado, hoy tenemos tres tazas en forma de festivales, temporadas y compañías que, desde muy diversos enfoques, recuperan la obra de nuestros áureos dramaturgos.

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Ha querido la casualidad que, en el plazo de un mes, se junten cuatro donjuanes en la capital de España; dos de los más famosos, el de Tirso de Molina y el de José Zorrilla, un tercero menos conocido, el de Josep Palau i Fabre, y un cuarto sintético que funde los dos primeros y el de Molière -que sólo pasó por nuestros escenarios dos veladas de febrero, realizada por Gema López para Imperdibles-. El acierto de Tirso -¿o Andrés de Claramonte?- al construir al inmortal burlador y libertino ha dado a la literatura un motivo que han aprovechado autores como Albert Camus, Alexandr S. Pushkin, Lord Byron y, saltando a la música, Mozart con su tétrica Don Giovanni. No hace falta decir más: don Juan es, junto con don Quijote, la principal creación de las letras castellanas. Un personaje que había quedado bien atado por el Dr. Marañón en el ensayo de 1940 Don Juan. Ensayo sobre el origen de su leyenda; sin embargo, una de las obras ahora en cartel rebasa los límites del análisis marañoniano: el Don Juan de Palau.

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Pocos son nuestros personajes históricos que han podido traspasar fronteras y convertirse en mitos mundiales. Hernán Cortés es uno de ellos, Rodrigo Díaz de Vivar, el Cid, es otro. Y a ambos les ocurre algo parecido: de puertas para adentro reciben poca atención -¡no hay en la capital de España una estatua del hombre que le ganó un imperio!-. Del Cid ya no se acuerda nadie pues resulta ser un personaje muy poco correcto políticamente; tanto el Cid histórico como el literario encarnaron una serie de valores hoy trasnochados, más aún, molestos. Su imagen de matamoros, de señor de la guerra, le hace despreciable a ojos de muchos, pero valoraciones morales de este tipo -totalmente vanas- palidecen antre el extraordinario impacto cultural de su figura a lo largo de los siglos. No en vano, el Cantar de Mio Cid se considera la primera gran obra de nuestra literatura, y luego autores como Guillén de Castro o Lope de Vega o Tirso de Molina -y otros menores, y el francés Corneille y Anthony Mann- eligieron al de Vivar como motivo de sus creaciones.

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Estrenada con gran éxito en el Festival de Teatro Clásico de Alcalá, pocas veces se puede ver a un público tan satisfecho al finalizar una representación. La Joven CNTC, bajo la batuta del siempre solvente Eduardo Vasco, ha logrado un Lope fresco y brillante, eminentemente lúdico. El espectáculo añade a nuestro Siglo de Oro unos toques de cabaré, exagerando los aspectos burlescos de algunos personajes y dejando caer todo el peso dramático sobre Belisa, magníficamente interpretada por Eva Rufo, quien consigue hacer llegar al público cuantas emociones se propone. Aunque Rufo brilla con luz propia, todo el elenco de actores raya a gran nivel, como suele ser habitual en la Compañía, que no descuida detalle alguno. En esta ocasión han optado por la sencillez del aparato escenográfico, dejando la expresividad escénica al vestuario de Lorenzo Caprile.

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Lo que podríamos imaginar al ver el nombre de Calixto Bieito encabezando una producción teatral de mensaje antibélico, lo vamos a encontrar en Los persas: una apuesta visual poderosa, un afán polémico -que disimula la corrección política del mensaje- y una superficialidad aséptica. Esta “adaptación” de la tragedia de Esquilo -que se titule Los persas es, en realidad, una cuestión de marketing; las similitudes con el original son muy relativas- es cínica, irónica e irreverente, pero que resulta menos polémica de lo habitual en el director gallego -sólo las irreverencias a la bandera pueden molestar a alguno-. Con Réquiem por un soldado, Bieito demuestra que cuanto más contemporáneo es el discurso, mejor le va y que, cuando deja a un lado las zarandajas de enfant terrible es capaz de hacer muy buen teatro, como en Plataforma.

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No llegan a ser vidas paralelas, pero casi. Los dos literatos más grandes de todos los tiempos coincidieron temporalmente, casi geográficamente y según muchos eruditos, se complementan de tal modo que sólo con El Quijote y las principales piezas teatrales de Shakespeare se abarcaría la totalidad del ser humano, y sería superfluo leer más. Según Harold Bloom, “la influencia concertada de Cervantes y Shakespeare define el curso de la literatura occidental posterior”, de modo que leyendo a Dickens, a Kafka o a Javier Marías, estamos leyendo, a través de tan egregios intermediarios, la obra de los dos monstruos del barroco. Es improbable que se llegaran a conocer, aunque tal posibilidad sirvió a Anthony Burguess para su deliciosa Encuentro en Valladolid y, en los cines -y evidentemente inspirándose en ésta-, a Inés París para su Miguel y William.

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Correcto homenaje por el cuarto centenario del nacimiento de Francisco de Rojas Zorrilla. No deja de ser buena noticia, sin embargo, que se vuelva a representar este brillante drama que, con casi total seguridad, no fue escrito -al menos no totalmente-, por Rojas Zorrilla. Esta contradicción da el tono de lo que vamos a ver en el escenario del Teatro Pavón, contrastes y algunas inconsistencias, aunque bien es cierto que el barroco es el estilo del contraste y la inconsistencia. Si esta obra es o no de Rojas Zorrilla, es algo que habrá que dejar a los especialistas, que organizan divertidos congresos sobre este tipo de cuestiones que al espectador le importan poco. Según el gran especialista en el autor Raymond McCurdy, la presencia de abundantes metros inhabituales en las obras expresamente reconocidas por el autor indicaría que, cuando menos, hubo otra mano, siempre que el homenajeado Rojas hubiera tenido algo que ver.

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El apéndice nasal es el atributo más conocido de Cyrano de Bergerac, aunque tanto o más afilada era su lengua, sin desmerecer la espada. Y, en esta enésima representación de la inmortal tragicomedia de Edmond Rostand, que se presenta como desprovista de tópicos, el del espléndido cartabón se mantiene. En la forja del carácter pendenciero y orgulloso del personaje, su prominencia es clave -a lo que José Pedro Carrión añade su escueta talla física- para crear la inseguridad esencial que le define. Claro que no es el único tópico que se conserva -es imposible privar de tópicos a un producto del siglo XIX-. Muchos se mantienen, otros se exageran -la torpeza expresiva de Christian hasta convertirlo en un majadero- y en todo caso no es un Cyrano novedoso o rompedor, sino bastante clásico y, al mismo tiempo, divertido, ágil y muy bien hecho, con todos los detalles cuidados y resueltos brillantemente y unas interpretaciones sólidas y amables en los protagonistas.

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No hace mucho vimos en los cines a Ariadna Gil recitar los célebres versos en los que Diana, condesa de Belflor, despedía con rabia y amargura a Teodoro. Antes, también en la gran pantalla, Emma Suárez dirigía esa rítmica queja a un desconsolado Carmelo Gómez en la magnífica adaptación de Pilar Miró, que cosechó siete premios Goya. Y es que El perro del Hortelano es una de las comedias románticas más célebres de nuestro siglo de oro por la vivacidad de su verso, por su ritmo narrativo perfectamente medido y por lo moderno de su mensaje. La compañía encargada de llevarla a las tablas en esta ocasión es Rakatá, a la que pudimos ver recientemente en el Círculo de Bellas Artes con una más que aceptable adaptación de De Toledo a Madrid y en La Abadía con la sorprendente La ilusión.

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